Actividad para 5° Básico (OA 2 - UNIDAD 1)

Actividad sugerida: Los alumnos son invitados a ver y escuchar, (o sólo escuchar según sea el caso), el video de la canción I like to live in America, del musical “Amor sin Barreras” de L. Bernstein, u otra obra musical en la cual se note claramente la alternancia de compases de 3/4 con 6/8. Otra alternativa es que los estudiantes aprendan al menos el estribillo de esta canción y la canten. Se invita a seguir el patrón rítmico dominante de la canción, que se destaca especialmente en el estribillo. Se comenta la canción (puede escucharse en versiones con o sin textos), permitiendo que los estudiantes exterioricen su percepción de lo escuchado. A partir de los comentario el docente podrá enriquecer los conocimientos mostrando los aspectos tanto musicales característicos de la obra, así como también su contexto. 

West Side Story, también conocida como Amor sin barreras en Hispanoamérica, es un film estadounidense de 1961, del género musical, drama, dirigido por Robert Wise y Jerome Robbins. Protagonizado por Natalie Wood,Richard Beymer, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn en los papeles principales.

Está basado en la obra musical del mismo nombre, inspirada a su vez en la obra de teatroRomeo y Julieta de Shakespeare.

La música fue compuesta por Leonard Bernstein.

Ganadora de diez Óscar: mejor película, mejor director, mejor actor de reparto (George Chakiris), mejor actriz de reparto (Rita Moreno), mejor dirección artística, mejor música, mejor fotografía, mejor sonido, mejor vestuario, y mejor montaje, y además fue candidata al mejor guion adaptado. (Extraido de Wikipedia).

La Musica de Leonard Bernstein

La partitura de West Side Story fue orquestada por el propio Leonard Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor.

Leonard Bernstein

(1918 -1990). Compositor, pianista y director de orquestaestadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial. Es conocido por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York, sus Conciertos para jóvenesen la televisión de los 60 y sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story(1961).Fue muy considerado como director de orquesta, compositor (sin parentesco alguno con el compositor de bandas sonoras Elmer Bernstein), pianista, educador, y probablemente el más conocido del público, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Dirigió muchas otras orquestas de destacadas del mundo. Y también es conocido por haber compuesto la música de West Side Story. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales, y muchas otras piezas. Siguió diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz.

Leonard Bernstein en 1971

NOTA: actividad sugerida según el nuevo Programa de Estudios para 5° Básico, República de Chile.

La Textura Musical (UNIDAD: Atmósferas sonoras, melodías y texturas)

CONTENIDO: Audición y discriminación auditiva de la textura como superposición de melodías y otros elementos sonoros. Reflexión acerca de los tipos de textura musical. Ejecución y reconocimiento auditivo en música de diferentes épocas y repertorios.

Para entender mejor La Textura Musical debemos pensar en la música como un tejido; hay distintos tipos de tejidos, donde sus hilos pueden ser muchos y de colores diversos, entretejiéndose de distintas formas. Por lo tanto la Textura Musical es la manera en la que un compositor combina las diferentes líneas melódicas en una composición. Según el diccionario, la melodía es "una sucesión de notas que, destacándose del acompañamiento, forman la parte cantable de una composición musical". Esto quiere decir, de una manera muy simple, que la melodía es eso que podemos volver a cantar o tararear después de escuchar una canción o una pieza musical. Según la relación que establecen las diferentes líneas melódicas se pueden distinguir varios tipos de textura:

Textura monofónica:

Es aquella en la que sólo se emplea una melodía ya sea interpretada por una o varias personas, puede ser vocal, instrumental o mixta, todos realizan la misma melodía. Está constituida por una sola línea melódica, interpretada por una voz o un instrumento, o bien un coro o varios instrumentos al unísono.

 Esta melodía puede interpretarse sola o acompañada por instrumentos de percusión; por un bordón (que es el acompañamiento de una melodía mediante un simple sonido).

Es la textura más antigua,  la podemos encontrar en obras musicales muy antiguas, como el canto gregoriano o en la música de los trovadores en la Edad Media, también es la que encontramos en muchas canciones folclóricas, etc.

Ejemplo: Canto Gregoriano, El Epitafio de Seikilos (música griega más antigua que se conserva: el epitafio de Seikilos. Interpretación musical de ATRIUM MUSICAE dirigido por Gregorio Paniagua, grabado en 1974).

Textura polifónica:

Es un término general utilizado para referirse a  aquellas texturas que resultan de la superposición de dos o más voces (o melodías agudas y graves), que suenan al mismo tiempo, ya sean interpretadas por voces humanas, instrumentos o por ambos. Sin embargo, según como se organicen, existen diversos tipos de textura polifónica; entre ellos, los que se señalan a continuación:

Textura Polifónica homofónica: es aquella que resulta de la superposición de dos o más voces con idéntico diseño rítmico pero distintas melodías, es decir que está compuesta como por bloques sonoros (acordes), que se suceden uno detrás de otro.

Ejemplo: "Tu solus qui facis mirabilia" -  Josquin des Prez (1450 – 1521)

Textura Polifónica contrapuntística: consiste en la superposición de dos o más voces totalmente diferentes, es decir, cada una con su propio diseño rítmico y melódico, aunque guardando relación con las demás.

Ejemplo: “Fors seulement” (flauta) - Josquin des Prez 

Textura Polifónica Contrapunto imitativo: es un tipo especial de polifonía contrapuntística, en la que las voces se van imitando unas a otras. La melodía de una voz presenta un fragmento de un tema, que es inmediatamente imitado por otra, de modo que el mismo fragmento o motivo se escucha, por ejemplo, cantado por la voz de soprano, luego por la de contralto, luego por la de tenor, y finalmente por la de bajo.

 Ejemplo: O Magnun mysterium de Tomás Luís de Victoria (1549-1611)

Textura de melodía acompañada:

Es la formada por una melodía principal ya sea vocal, instrumental o mixta, que destaca sobre las demás que la acompañan. Es la textura más frecuente en la historia de la música, y la podemos encontrar en la mayor parte de la música ligera contemporánea.

Ejemplo: Somewhere Over The Rainbow - Isreal kamawiwo'ole

Textura no melódica:

Es la que se utiliza en la música experimental o de vanguardia, en la que no se percibe una melodía sino que se juega con las características de los sonidos: alturas, duraciones, timbres, intensidades, etc.

Se utilizan con frecuencia instrumentos de percusión pero también la podemos encontrar en obras vocales, instrumentales o mixtas. Este tipo de textura la podemos encontrar también en algunas bandas sonoras de películas para crear cierto clima, tensión, etc.

Ejemplo: De natura sonoris No. 2 - Krzysztof Penderecki (1933)

Por último, comentar que una obra musical no tiene por qué ceñirse a uno de estos tipos concretos, sino que puede presentar una textura mixta en la que puede tener partes en las que predominen unos tipos de textura y partes en las que predominen otros.
Acá les dejo una ficha resumen (elaborado originalmente por Elena García Corbacho, y modificado en algunas imágenes y contenido por Danilo Dawson Soto).

A continuación algunos ejemplos sonoros.

Only Exception para tocar en Flauta Dulce

La canción The Only Exception (La única excepción), es una canción interpretada por el grupo estadounidense de pop punk Paramore. Fue lanzada en febrero de 2010 como tercer sencillo del álbum de estudio  de 2009. Esta canción esta escrita originalmente en B (Si Mayor), pero se debe afinar la primera cuerda de la guitarra a D#, de ahí su sonoridad tan especial. En este caso yo la he transportado a F, para una más fácil ejecución en los instrumentos melódicos como la Flauta Dulce y el Metalófono. Acá les dejo el video con la partitura que transcribí, para que puedan ir tocando con él.

Ejercicio de Lectoescritura

Alumnos acá les dejo este entretenido Mapa Interactivo, mediante el cual podran medir sus conocimientos de Lectoescritura Musical.

Actividad para 5° Básico (OA 1 - UNIDAD 1) - CALSES ON LINE

ACTIVIDAD: Los estudiantes son invitados a escuchar e identificar sonoridades de un instrumento musical, en este caso la GUITARRA. A continuación escucharan la GUITARRA en diferentes estilos: guitarra flamenca, guitarra barroca, mariachis o guitarra con diferentes afinaciones (traspuesta), etc.. Finalmente los estudiantes comentan y comparan cómo se utiliza un instrumento de diferentes maneras según la cultura que se lo apropia y la importancia en cada una de ellas

 


 

Guitarra Estilo Clásico (Música Docta) 

Guitarra Mariachi - Pedro Fernández (Música Mexicana)

NOTA: actividad sugerida según el nuevo Programa de Estudios para 5° Básico, República de Chile. 

"Una aproximación a la música en nuestro tiempo" (8° Básico)

CONTENIDO B: Repertorios Musicales, música de concierto, popular, folclórica, étnica, músicas de fusión. Principales tendencias en los diferentes tipos de música.

ACTIVIDAD: Cantar y/o tocar una canción tradicional de alguna de las etnias nacionales, mejorando gradualmente las técnicas de interpretación y manejando apropiadamente términos musicales relacionados con la canción que están practicando, como: textura, contraste, repetición, timbres, matices, articulación, pulso, etc.

OBJETIVO: Los alumnos deben ser capaces de cantar con justeza rítmica y afinación una canción de la Etnia de Rapa Nui.

Breve reseña histórica:

La palabra Sau-Sau, es en realidad, el nombre de la danza-canción más en boga en Isla de Pascua durante los últimos años. Llegó a la isla en 1939. el año del inicio de la segunda guerra mundial. Se dice que fueron dos polinésicos que vinieron como tripulantes del yate alemán "Die Walkirie", procedentes de Tahiti, los que enseñaron este alegre canto a los habitantes de Rapanui. El texto, en su primera parte original, está escrito en un extraño dialecto, presumiblemente de Samoa, que los isleños aprendieron rápidamente, aunque sin llegar a comprender su significado. Más tarde se le agregaron dos estrofas más en idioma local, de música no menos bella y con un ritmo alegre y sensual. Como el Sau-Sau se canta y se baila repetidas veces en las reuniones familiares, su nombre también ha servido para designar la fiesta misma que se ha identificado con él. Margot Loyola, quien ha estudiado detenidamente las danzas de la Isla de Pascua, nos hace una interpretación de los pasos y figuras de este baile. El Sau-Sau es una danza de pareja suelta e independiente, que realiza sus evoluciones casi rozándose. Cuando intervienen varias parejas éstas no se mezclan, manteniendo cada una su independencia respecto de demás. Los movimientos del Sau-Sau son suaves, siendo ajeno al baile todo gesto brusco o expresión dura. Los movimientos principales son el de brazos y caderas. El brazo, la mano y los dedos forman un solo bloque cuyos movimientos semejan líneas suaves y ondulantes. Ambos brazos siguen movimientos libres y a veces la mujer insinúa peinarse el cabello. El movimiento de caderas es principalmente lateral, siendo el paso de poco avance y muy apegado al suelo. No hay grandes desplazamientos, bailándose más bien en el puesto y cada bailarín realiza giros individuales, teniendo como eje uno de los dos pies con el talón ligeramente levantado. En la Isla de Pascua, todo acontecimiento, viejo o reciente bueno o malo, es transformado en música y canto. El Pascuense tiene por naturaleza, esa facilidad extraordinaria de expresión musical. En la actualidad, la música y las danzas isleñas han sufrido cambios debido a la influencia foránea, sobre todo desde Tahiti. Sau-Sau, baile pascuense, es de procedencia híbrida del TAMURE (Tahiti) y el Hula Hula, danza que consiste en movimientos de caderas y manos que ejecutan una pareja. El baile, en sí, muestra expresivamente el acto de crear, con movimientos que denotan elegancia armonía y sencillez. Su explicación radica, tal vez,en sus antepasados, quienes no contemplaron al sexo como un Tabú, sino como algo muy natural. Esa es la razón por la cual la música y danzas pascuenses denotan lo sentimental, la naturalidad y la sencillez más absoluta en las relaciones entre el hombre y la mujer. El Sau-Sau (canción) llegó a Pascua por la influencia Tahitiana y posiblemente sea procedente de las Islas Fiji, por la formación literaria que el pascuense no puede traducir, a pesar que lo canta. Igualmente el OPA OPA llegó la Isla de Pascua cantado por un norteamerica que poseía conocimientos de la lengua tahitiana. OPA OPA, su yate, y una niña de ojos azules, su mujer, contentos de su regreso a Pascua difundieron estas canciones y melodías, las que quedaron grabadas en la mente de los isleños, y que la cantan hasta hoy. Aunque la letra "S" no existe en el alfabeto pascuense, el SAU SAU es desde hace más de 40 años - el canto o baile típico de Isla de Pascua, he incluso, toda fiesta que se realiza en la Isla lleva, por añadidura, el nombre de SAU -SAU. Como la letra del SAU-SAU no corresponde al idioma tahitiano ni a la lengua pascuense, es posible, dice Ramón Campbell, que proceda desde Samoa.

Sau Sau

Sau - Sau reva

sau reho vari;

erúa simo - simo - simo;

pou - pou kari,

erúa maki - maki

mai sapai pahure hía.

Ua riro re - e-e-ee

ua riro re- ee- ee- ee...

E maite ho´e  po ava´ e,

ava´ e haumarú;

taúa mihi - - mihi raa,

taúa mate aué.

Faore too ee riri,

e Mau - Sereti é;

hia ho´i fa hou taua

taúa mate aué.

Para conocer en forma didáctica otros aspectos de Isla de Pascua , les dejo este link:

Además acá les dejo un documental que encontré en YouTube:

Posturas de notas en Flauta Dulce Soprano

Acá les dejo un archivo que preparé hace algunos años atrás, para que puedan aprender las posturas básicas en flauta dulce soprano. En realidad es la escala de Do Mayor, más un re agudo. Algo importante que señalar es que cuando comiencen a tocar deben soplar muy suave en especial las tres primeras notas de la escala.

Espero les sea útil.

Lectura de notas en el Pentagrama

La Ciudad Melódica

Buscando en la web encontré esta completa página educativa enfocada al aprendizaje de la música y dedicada especialmente a los más pequeños. Acá podrás encontrar por ejemplo diversos juegos donde aprenderás a diferenciar los timbres de los instrumentos, escucharás diversos estilos musicales, pondrás a prueba tu memoria musical, podrás colorear instrumentos y mucho más. Algo importante es que deberás poner a prueba todo tu dominio del Inglés. 

Juegos Musicales

Hola niños en esta oportunidad los quiero invitar a unos juegos musicales que encontré en la página de Discovery Kids.

 

 

 

Solfeando My Heart Will Go On

Esta maravillosa canción compuesta por el compositor James Horner, que es el tema principal de la película "Titanic", la transcribí en tonalidad de Re menor (Dm), un tono más alto que el original que esta en Do menor (Cm), con el propósito de facilitar su lectura musical, esto lo realizé en el año 1998 y la he ocupado en varias oportunidades con mis alumnos en las actividades artísticas del colegio. Espero que les guste y la puedan solfear y tocar con el instrumento que Uds. dominen.

ANTECEDENTES DE LA PELÍCULA

Titanic es una película romántica escrita, producida y dirigida por James Cameron. Está protagonizada por Leonardo DiCaprio como Jack Dawson y Kate Winslet como Rose DeWitt Bukater respectivamente, miembros de diferentes estratos sociales que se enamoran a bordo del RMS Titanic mientras realizan un mismo viaje pero con diferentes "destinos". La película está co-protagonizada por Billy Zane que hace de Caledon Hockley, prometido de Rose, Bill Paxton que interpreta al líder de la expedición que en la actualidad trata de encontrar la joya El Corazón de la Mar y Gloria Stuart, que da vida a la anciana Rose, en el año 1996.

Titanic fue estrenada el 19 de Diciembre de 1997 en E.E.U.U., . El presupuesto fue de aproximadamente 240 millones de dólares, y solo en Estados Unidos la película recaudó unos 600 millones, y recibio 11 Oscar.

¿EXISTIÓ REALMENTE JACK DAWSON?

Investigando respecto a Jack Dawson , protagonista principal de la película, sería un personaje ficticio, según las fuentes consultadas, en Wikimedia, no se encontraron antecedentes y en fortunrcity.com donde se publicó la lista de los pasajeros no aparece, pero hace poco los nombres, edades y profesiones de los pasajeros del Titanic han sido publicados en Internet por primera vez , 95 años después de que el lujoso crucero se hundiera en aguas del Atlántico durante su viaje inaugural. Docenas de páginas con la lista original de pasajeros, escrita a mano, están ya disponibles, incluida la clasificación por clases de quienes viajaban en el barco. De acuerdo a esta información aparecen once Jack Dawson que habrían viajado en el ya legendario TITANIC. A si que si existio o no Dawson, jusguen Uds....

Fuentes: El País.com; Wikimedia; findmypast.com y Fortunecity.com

Acá les dejo la partitura.
             

Solfeando Yellow

Acá les dejo la canción Yellow de la banda inglesa de rock alternativo Coldplay, que fue grabada en el año 2000. A pesar que han pasado doce años desde que se lanzó al mercado musical, es increíble como aún es parte del repertorio de los jóvenes.

"Yellow es una canción escrita por el grupo y co-producida con el británico Ken Nelson para su álbum debut, Parachutes (2000). Su letra hace referencia a un amor no correspondido del vocalista Chris Martin y posee una variada instrumentación.

Se lanzó en junio de 2000 como el segundo sencillo de Parachutes, tras "Shiver" y fue el principal en Estados Unidos. Alcanzó el cuarto puesto en la UK Singles Chart, convirtiéndose en la primera canción de la banda en llegar al Top 5 en el Reino Unido. Ayudada por una ampliaradiodifusión y por su uso en comerciales, la canción se volvió masivamente popular. Muchos artistas han realizado versiones diversas del tema y se la considera una de las canciones más populares de Coldplay". (fuente de información Wikipedia).

Para aprenderla debes tener cuidado con los compases de espera (compases en silencio) y los signos SEGNO( SEÑO) y CODA. También te sugiero que primero puedas percutir con las palmas o un lápiz solamente las figuras rítmicas y posteriormente solfearla junto al video que les dejo a continuación.

Solfeando Only Time

Esta vez he elegido una canción que es un tanto más compleja en lo que se refiere a su armonía, por lo mismo debes tener cuidado con el cambio a Lab en el compás 34, y considerar las notas de su armadura, es decir Sib - Mib - Lab - Reb, luego en el compás 41 vuelve a Fa Mayor. El tema originalmente esta en Mib Mayor, lo transporte para facilitar su lectura musical.

El desafío es solfearla primero y luego tocarla con un instrumento melódico.

Only Time es una canción cuya música fue compuesta por la Irlandes Enya, lanzado por primera vez en noviembre de 2000.

Enya es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales, así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2.

When The Saints Go Marching In para Solfear

En está oportunidad les dejo un video que hice con un programa que encontré en la web, se llama Harmony Assistant, la verdad que lo encontré un poco engorroso en comparación con lo que ocupo a diario, me refiero a FINALE 2010. En todo caso lo más entretenido e interesante que encontré es el hecho de que es capaz de cantar lo que escribes en la partichela en varios idiomas. Escribí la parte y lo acompañe con mi guitarra acústica. 
El propósito de mi video es enseñar a solfear a los alumnos de primer ciclo básico. Espero les sea útil.

ORIGEN DE LAS NOTAS MUSICALES

En más de una oportunidad nos hemos preguntado, como estudiantes, aficionados o profesionales de la música, ¿cuál es el origen de el nombre de las notas musicales?, probablemente no hemos podido responder, porque simplemente nadie en los años de estudio nos enseño esta materia, o bien nunca encontramos un libro con esta información. Hoy con toda la tecnología e información que tenemos acceso simplemente con hacer un clic podemos dilusidar esta interrogante. Buscando en la web encontré mucha información, pero decidí dejar este articulo que me pareció oportuno y acertado. Espero les sea de utilidad.

Guido de Arezzo

Guido de Arezzo o Guido Aretino fue el monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930). Nació en Arezzo (Toscana) el año 991/992 y falleció en Avellano después de 1033. También era conocido como Güido Aretinus o Güido Mónaco (el monje Guido).

Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática (La notación neumática es el sistema de notación musical usado a partir del siglo XI para indicar los desarrollos melódicos del repertorio de cantos gregorianos)

Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas. Su obra Micrologus (En ella se describe el canto y la práctica docente del canto gregoriano y recoge un considerable debate sobre la composición de la música polifónica), fue el segundo tratado sobre música con mayor difusión en la Edad Media tras las obras de Boecio. Los estudiosos datan su Micrologus art en 1025 o 1026.

Pasó sus primeros años de estudio en la abadía de Pomposa, en la costa adriática, cerca de Ferrara. Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina Artis Musicae. Durante su estancia se percató de la dificultad de los cantantes para recordar los cantos gregorianos, e inventó un método para enseñar a los cantantes a aprender los cantos en poco tiempo. Este método pronto se hizo famoso en todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de los monjes del monasterio le obligó a marcharse a Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero que tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de aprendizaje.

En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica.

Guido de Arezzo es el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la).

En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía.

Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto de la primera estrofa, en latín, de este himno rezaba así:

Ut queant laxis, = Para que puedan

Resonare fibbris, =Con toda su voz

Mira gestorum, =Cantar tus maravillosas

Famuli tuorum, =Hazañas estos tus siervos

Solve polluti, =Deshaz el reato de

Labii reatum, =Nuestros manchados labios

Sancte Ioannes. =! Oh, bendito San Juan

La estrofa: “Para que puedan con toda su voz cantar tus maravillosas hazañas estos tus siervos, deshaz el reato de nuestros manchados labios, oh, bendito San Juan”.

Reato=Ofensa

Guido de Arezzo denominó a este sistema de entonación solmisación (en latín, solmisatio), (Designación de las notas de las escalas musicales por medio de sílabas) y más tarde se le denominó solfeo. Posteriormente, en el siglo XVII, Giovanni Battista Doni sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. Aunque mi opinión particular sobre esta acción es, que aprovechó la sílaba inicial de su apellido Doni para nombrar esta nota. También mucho más tarde, a finales del siglo XVI, fue introducida por Anselmo de Flandes la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de Sancte Ioannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de los países anglosajones, Alemania, los países escandinavos, etc. Probablemente, este método está basado en su trabajo en Pomposa, pero el antifonario que escribió allí no se conserva (Libro litúrgico de los cristianos de Occidente que contiene las antífonas y los responsorios que se cantan o se rezan en la misa u otros oficios religiosos). Sin embargo, el Micrologus, escrito en la catedral de Arezzo, contiene el método de enseñanza que desarrolló. Dada la importancia de Guido debido a sus grandes aportes, El papa Juan XIX le invitó a Roma. Posiblemente fue en 1028, pero pronto tuvo que volver a Arezzo debido a problemas de salud, ahí permaneció, y murió en avellana.

Fuente de información: diccionario Larousse - Darío Holguín

Acá les dejo un video muy interesante.